Making a case for leisure: a conversation with William Osorio
Making a case for leisure: a conversation with William Osorio
Are we humans primarily workers or can we live in an unhurried manner, in spaces of silence where the sublime may be experienced and new ideas sprout?
At a time when our actions are measured by their usefulness, the artist William Osorio defends the importance of leisure as a space to experience the sublime. And perhaps silence as the path to a broader understanding of ourselves and the times we are living.
On a sunny afternoon, a friend and I visited LnS Gallery in Miami’s leafy Coconut Grove to see an exhibition of his paintings called Only Silence Hears. Once inside we were met by big paintings of men and women, some in groups, some alone. The figures, mostly reflective, are painted on canvas then sewn onto carpets which are covered with thick energetic brushstrokes, masking the designs underneath, creating a dreamlike painterly setting for the figures to exist. From a distance, figure and background seem to belong to the same surface. The labor intensive sewing shows itself only up close.
This bridging of traditions of textile and painting started as happy accident at the artist's studio, as Sofia Guerra, our most diligent and knowledgeable guide, told us.
The exhibition invited us to look at these scenes where no action takes place and a sense of quiet contemplation prevails: the pleasure of being silent next to a loved one, dancing alone or simply lying in a hammock.
To meet William and find out more I asked for a visit, which he kindly acquiesced. His studio is vast, orderly and emanates a certain stillness which reminded me of a library. Huge paintings hang on the walls, not unlike the ones seen at the exhibition, some unfinished. The space is sparsely furnished: a long wooden table, a few chairs, a lamp, and a small bookcase on a corner. Under William’s curly brown hair and thick beard are strong features and pensive eyes. He looks younger than I thought. Cuban born, he smokes a cigar while we speak in Spanish, his native language.
Please scroll down for Spanish version.
CARMEN: In the paintings that comprised your solo exhibition Only Silence Hears you pose the question: “With a seed planted in the soil of leisure, how is the fruit rancid with utilitarianism?”
The exhibition text continues: “Only Silence Hears provides a suggested solution, acting as a mirror to the show the teeming potential of silence and inviting the viewers to take part in repose. Each artwork plays a role in the artist’s narrative to discuss and defend the importance of leisure as a pillar of society.”
Aristotle believed (in both his Nicomachean Ethics and his Politics) we should define ourselves less by our work and more by our leisure time. He believed that only in leisure time can full human potential be realized. He thought we should look at our spare time not as ‘spare’, but as the most important time we have. With practice, we can structure our leisure to nurture the talents, tastes, and relationships that elevate us beyond the destructive work cycle, and that fulfill our potential as beings.
I was struck by your paintings and the theme of the show. I kept thinking, long after I saw it in May of this year. Do you agree with Aristotle? Do you believe that we need to be educated in how to meaningfully spend what we now call leisure time?
WILLIAM: I think so. Contemporary society has lost touch with the Greek concept of leisure. In its etymology the word "leisure" means school. So, the word we use today to designate the place where we educate ourselves and learn derives from a word that means leisure. Today, school has a more utilitarian purpose; it has lost the playful nature of learning. Spiritual and intellectual development is not the primary goal. One of the most terrible things about the pandemic, aside from the loss of so many lives, was that we found ourselves completely separated from the daily activities that gave meaning to our lives. Many people found themselves with nothing useful to do, inhabiting free time which was unfamiliar to them.
CT: What does "useful" mean to you?
WO: Functional, utilitarian, teleological, docile, servile. Most tasks we perform in society have an ostensible and obvious purpose that motivates us to do them. The utility of artistic work is often not immediately evident. For example, we can return to the idea of leisure as a school. In his book Metaphysics (1), Aristotle tells us how, in ancient Egypt, there was a priestly caste dedicated to leisure that developed the mathematics, perhaps the most applicable discipline of all. But it's interesting and very poetic how mathematics arises in a context dedicated to leisure. I think art, literature, and philosophy share that characteristic; they are branches that grow in rather playful fields, without an apparent immediate utility, and end up producing the most lasting and impactful works in culture. In the beginning, leisure was closely linked to divine worship. A phrase from Joseph Pieper's book Leisure, The Basis of Culture(2) comes to mind: "Divine worship means the same thing where time is concerned, as the temple where space is concerned." For example, when we see the ruins of ancient civilizations today, if we walk through Athens, the buildings where daily activities took place have completely disappeared. In Greece, the stone-made temples, spaces where rituals were celebrated, still stand, as in Christian societies, where the most opulent constructions were the churches. The same could be said about leisure time: useful activities were carried out during the week, but a sacred time was always respected and has endured over time like Saturdays for the Jewish people, for example, and Sundays for Christians.
CT: Normally, a temple is a building. Your paintings refer to nature, with characters mostly outdoors. Would nature be the temple here?
WO: Today, "the temple" is our body. All the characters in nature are "inhabiting their own temple." They are the ones who build themselves in their leisure time. That should be what is sacred: the body, and the quality of the time we dedicate to the body and mind. If the mind is not healthy, the body will hardly be healthy. Yes, the characters in my works all appear in scenes set in nature. And that has to do with that idea of leisure, of that experience and search in which the characters in my paintings find themselves. They try to approach a sublime experience. And the sublime is not found in the lobby of a building, nor is it found dining in a luxury restaurant. The sublime tends to break in when we are sitting on the edge of a hill facing the immensity of the sky and the ocean, as in the works of Caspar David Friedrich, or when we see a sunset or we walk barefoot in the countryside. The sublime is an aesthetic category capable of taking us to an ecstasy beyond the rational. Kant spoke of the sublime as "that which is absolutely great." Someone who has lived their whole life in the countryside is unlikely to search for the sublime in traffic on a highway in the city. But us, city dwellers, think that if we go to the mountains for a week, perhaps we can find the sublime. We believe that nature offers something that is not found in the daily life of cities.
CT: In this painting behind us, for example, a man is in a hammock, but he's not sleeping. He has an inward look and seems to be contemplating in silence.
WO: He is gazing at the horizon. I like that idea of the horizon. The Uruguayan writer Eduardo Galeano (Open Veins of Latin America, 1971) was asked in an interview what he thought was the purpose of the horizon. He replied that if you take ten steps forward, the horizon moves ten steps away. The closer you get to the horizon, the further away it moves from you. The horizon serves to keep us moving forward.
In this work we don't see the structure holding the hammock. The idea of working with the carpet is to free the work from the constraints of the frame. The craving for freedom is a theme that runs throughout my work. Carpets turn the work into an expanded painting, where the composition continues beyond the edge of the canvas, where often the focal point of the characters in the composition is outside the frame. Most characters are not interacting with the viewer. They are indifferent to what is around them, which is related to the idea of concentration. The character is looking towards the horizon which in turn is reflecting him. It's not certain that you will find yourself if you go to the mountains for a while because I don't think you can find anything outside that you don't already have inside. If you go to the mountain empty of spiritual, intellectual, and interpersonal experiences, trying to find the sublime, you will only find emptiness.
CT: Your internal geography goes with you.
WO: That's right, if you don't already carry an internal geography, you won't find anything. Works of art are mirrors in which one is unable to interpret anything that one does not carry with oneself. If you stand in front of a work of art and come without any baggage, with no experience or interpretation tool, you won't be able to see or interpret anything. All you will see are colors, some images that you will identify as a person, house or chair, but you won't see beyond those objects or figures.
CT: It's true. Each of us comes with our baggage, our history, experiences, knowledge, etc.
WO: Indeed. One has to know how to select what one puts in that baggage. Thinking is discriminating; we should know how to heal the knowledge we incorporate. For example, some people only read authors they agree with. That's the best way to reinforce confirmation bias. In other words, if you have a certain worldview and seek authors who share that same worldview, all you're doing is reinforcing your own opinion. I'm interested in reading authors I don't agree with, researching topics I don't know, and experimenting with new materials. That practice led me from canvas on a stretcher to painting on a carpet and sewing foreign materials onto the surface of the canvas.
CT: Did you want to make a comment on how we view leisure and the time we spend with ourselves with this show?
WO: I paint things that are interesting to me and that are central to my life. I don't intend to send any messages. This is how I have been able to express certain ideas. I am a very visual person, which is why I turned to painting. If I had more rhythm, maybe I would have been a musician; I also would have liked to write. I would have liked to be a good writer, and I envy people who can write well. I channel that frustrated desire by reading; I really enjoy reading. My intention with painting is to tell stories, to talk about what interests me. When I painted those works, it was a time when we were all isolated because of the pandemic. If you had a good library and liked to read, being alone was wonderful. But for those who don't read, who don't know how to spend time with themselves, it must have been torture. I could read a lot, I could paint a lot. That time didn't feel different to me because, as you can see, I spend a lot of time alone here in my studio, with my books, listening to music, and painting. I sometimes spend eight or ten hours a day here. I really enjoy this solitude, and I miss it when I'm away from the studio for a long time.
But I understand that most people have daily activities that require a human infrastructure that was not present during COVID. It created a kind of gap, a void, an abyss.
CT: I have always thought it very important to be curious.
WO: Me too, it's the only way to embark on the path to new knowledge. In the first chapter of Metaphysics, Aristotle says that "All men by nature desire to know."
CT: Do you think leisure time can improve life?
WO: Definitely. For me, painting is leisure time; reading or watching a good movie, being with my family, with people I love, is leisure time. That is a time that is not functional, that often does not build anything physical in the world, but reinforces bonds, creates good experiences, and enriches you intellectually. And sometimes, a painting or a book comes out of leisure time, which is not bad.
CT: In your paintings, the characters are neither smiling or serious. They are contemplative. What is the meaning of a smile to you?
WO: In the history of painting, few of them are of people smiling. Pictorial works tend to convey messages and ideas through their compositions, and reference symbols that appear in the work. A smile is more common in advertising. Advertising is not open to interpretations; it does not suggest. Advertising orders. How to buy, how to think, which group to join. Painting, at least my painting, does not seek to evangelize or dictate.
Let's think that 99.9% of the paintings we stand in front of, we have no contact with the artist. We don’t know what the artist wanted to say, or what kind of person he or she was. We stand in front of a work of art and may only have the label telling us its title, materials, dimensions and hopefully an essay by the curator.
CT: The curator gives hers or his interpretation of the work or the set of exhibited works.
WO: I'm very interested in how artists talk about their work. A work can also be read. Books don't speak; books are read. In books, as with paintings, we only retain what we are capable of understanding. I'm more interested in what artists have to say about their work, than reading curators or critics texts.
CO: When you go to an exhibition, do you read about the artists beforehand?
WO: When visiting exhibitions, I'm very interested in the technique, in how the work was done, in its process. I look at a work of art with different eyes. Maybe I don't enjoy it as much as a spectator who doesn't do this every day. As an artist, I go to an exhibition and think: this is how they did it; look how interesting this is; the process was like this. These are the first things I see.
When I see a work of art, the artist speaks to me through the painting, on how it was done. The most interesting paintings are the ones that surprise me, when I can't decipher they solved the problem. Painting is also solving problems.
CT: Does it lose a bit of magic because you are looking at the technique used?
WO: It's an intellectual and technical enjoyment.
CT: What potential do you see in silence?
WO: Silence is the space where meaning is created. In communication, the sound emitted is as important as the silence between sounds. It's the silence that structures. In these spaces of silence is where ideas sprout, where one finds oneself. These works aim to vindicate silence and contemplative life.
ESPAÑOL
En un momento en el que nuestras acciones son medidas por su utilidad, el artista William Osorio defiende la importancia del ocio como un espacio para experimentar lo sublime. Y quizás el silencio como el camino hacia una comprensión más amplia de nosotros mismos y de los tiempos en los que vivimos.
En una tarde soleada, una amiga y yo visitamos la Galería LnS en el frondoso barrio de Miami, Coconut Grove, para ver una exposición de sus pinturas llamada Only Silence Hears. Una vez dentro, nos encontramos con grandes pinturas de hombres y mujeres, algunos en grupos y otros solos. Las figuras, en su mayoría reflexivas, están pintadas sobre lienzo y luego cosidas sobre alfombras que están cubiertas con pinceladas gruesas y enérgicas, ocultando los diseños subyacentes y creando un entorno pictórico onírico para que las figuras existan. Desde la distancia, la figura y el fondo parecen pertenecer a la misma superficie. La costura intensiva en mano solo se revela de cerca. Esta conexión entre las tradiciones de la tela y la pintura comenzó como un feliz accidente en el estudio del artista, como nos contó Sofía, nuestra guía más diligente y conocedora.
La exposición nos invitó a observar estas escenas donde no ocurre ninguna acción y prevalece un sentido de contemplación tranquila: el placer de estar en silencio junto a un ser querido, bailar solo o simplemente recostarse en una hamaca.
Para conocer a William y aprender más, pedí una visita, a la cual gentilmente accedió. Su estudio es vasto, ordenado y emana una cierta quietud que me recordó a una biblioteca. En las paredes cuelgan enormes pinturas, no muy diferentes a las vistas en la exposición, algunas sin terminar. El espacio está escasamente amueblado: una larga mesa de madera, algunas sillas, una lámpara y una pequeña estantería en una esquina. Bajo el rizado cabello castaño de William y su espesa barba, destacan rasgos fuertes y ojos pensativos. Parece más joven de lo que pensaba. Nacido en Cuba, William fuma un cigarro mientras hablamos en español, su lengua materna.
CARMEN: En las pinturas que compusieron la exposición Only Silence Hears, usted plantea la pregunta: “Con una semilla plantada en suelos de ocio, ¿cómo se vuelve rancio el fruto con el utilitarismo?
El texto de la exposición continúa: “Only Silence Hears proporcionó una solución sugerida, actuando como un espejo para mostrar el potencial del silencio e invitando a los espectadores a participar en el reposo. Cada obra de arte juega un papel en la narrativa del artista para discutir y defender la importancia del ocio como pilar de la sociedad.”
Aristóteles (tanto en su Ética Nicómanco como en su Política) creía que deberíamos definirnos menos por nuestro trabajo y más por nuestras actividades de ocio. Él creía que sólo en nuestro tiempo libre se podía realizar todo el potencial humano. Pensó que deberíamos considerar nuestro tiempo libre no como “sobra” sino como el tiempo más importante que tenemos. Con práctica, podemos estructurar nuestro ocio para nutrir los talentos, gustos y relaciones que nos elevan más allá del ciclo de trabajo destructivo y que realizan nuestro potencial como seres.
Me llamaron la atención tus pinturas y la temática de la exposición. Me mantuve pensando mucho después de que lo vi en mayo de este año. ¿Cree que debemos educarnos sobre el tiempo de ocio?
WILLIAM: Yo pienso que sí. La sociedad contemporánea ha perdido el contacto con la idea de ocio que tenían los griegos. La palabra ocio en su etimología significa escuela. Entonces, la palabra que usamos hoy para designar el lugar donde nos educamos y aprendemos deriva de una palabra cuyo significado es ocio. Hoy la escuela tiene un fin mucho más utilitario, ha perdido el carácter lúdico del aprender. La formación espiritual e intelectualmente no es el objetivo principal. Una de las cosas más terribles de la pandemia, aparte de la pérdida de tantas vidas, fue que nos encontramos completamente separados de las actividades cotidianas que dan sentido al día a día. Mucha gente se vio sin tener nada útil que hacer, habitando un tiempo de ocio que les era totalmente desconocido.
CT: ¿Qué significa “útil” para ti?
WO: Funcional, utilitario, teleologico, docil, servil. La mayoría de las tareas que realizamos en sociedad tienen un fin ostensible y obvio que son el motivo por el cual las realizamos. La utilidad del trabajo artístico muchas veces no es evidente inmediatamente. Por ejemplo, podemos volver a esa idea del ocio como escuela, Aristóteles en La Metafísica (1) nos cuenta como, en el antiguo Egipto había una casta sacerdotal dedicada al ocio desarrolla la matemática, siendo la matemática quizás la disciplina más aplicables en la vida. Pero es interesante y muy poético como la matemática surge en un contexto dedicado al ocio. Yo pienso que el arte, la literatura, la filosofía tienen esa característica; son ramas que crecen en campos más bien lúdicos, sin una aparente utilidad inmediata, y terminan produciendo las obras más duraderas y de mayor impacto en la cultura. En el inicio el ocio estaba muy ligado a la adoración divina. Ahora pensaba en una frase del libro de Joseph Pieper Leisure, The basis of culture, (2) dice que: “Divine worship means the same thing where time is concerned, as the temple where space is concerned.”
Por ejemplo, hoy cuando vemos las ruinas de las civilizaciones antiguas, si caminamos por Atenas las edificaciones donde se desarrollaban las actividades cotidianas han desaparecido totalmente, en Grecia pervive la piedra hecha templo, espacios en los que se celebraban los ritos, al igual que en las sociedades cristiana, son los espacio más bello. Donde se demostraba toda la opulencia era en la construcciones de Iglesia. Con el tiempo de ocio pasaba lo mismo, se realizaban actividades útiles durante la semana, pero siempre se respetaba un tiempo que era sagrado y que ha pervivido en el tiempo, el sábado para el pueblo judio y el domingo para los cristianos.
CT: Normalmente un templo está en un edificio. Sus pinturas hacen referencia a la naturaleza, los personajes están en su mayoría al aire libre. ¿El templo, aquí, sería la naturaleza?
WO: Hoy “el templo” es nuestro cuerpo. Todos los personajes que están en la naturaleza “habitando su propio templo”. Son ellos los que se edifican en esa actividad de ocio. Eso debería ser lo sagrado: el cuerpo, el tiempo, y el tiempo de calidad que le dedicamos al cuerpo y a la mente. Si no hay una mente saludable, difícilmente el cuerpo va a ser saludable, porque la mente es cuerpo. Si, los personajes en mis obras aparecen todos en escenas que se desarrollan en plena naturaleza. Y eso tiene que ver con esa idea de ese tiempo de ocio, de esa experiencia y búsqueda en la que se encuentran los personajes que aparecen en mis cuadros. Intentan acercarse a una experiencia sublime. Y no se encuentra lo sublime en el lobby de un edificio, ni se encuentra lo sublime cenando en un restaurante de lujo.
Lo sublime tiende a irrumpir cuando estamos sentados en el borde de una colina y nos enfrentamos a la inmensidad del cielo y el océano, como podemos apreciar en la obra de Caspar David Friedrich; o cuando vemos un atardecer; o cuando caminamos descalzos por el campo. Lo sublime es una categoría estética capaz de llevarnos a un éxtasis más allá de lo racional, Kant hablaba de lo sublime como “lo que es absolutamente grande”. El que ha vivido toda su vida en el campo difícilmente tiene planes de ir a la ciudad a buscar lo sublime en el tráfico de una autopista. Pero nosotros que vivimos en la ciudad tenemos la idea de que si vamos una semana a la montaña, quizás podamos encontrar algo. Creemos que la naturaleza ofrece algo que no se encuentra en la cotidianidad en ciudades.
CT: En este cuadro que está acá por detrás de nosotros, por ejemplo, un hombre está en una hamaca, pero no está durmiendo. Él tiene una mirada interior y parece estar contemplando en silencio.
WO: Esa mirada está como en el horizonte. A mí me gusta esa idea del horizonte. El escritor uruguayo Eduardo Galeano (Las Venas Abiertas de América Latina, 1971) fue preguntado en una entrevista sobre lo que pensaba acerca del propósito del horizonte. Respondió que si das diez pasos hacia adelante, el horizonte se aleja diez pasos. Entre más te acercas al horizonte, más se aleja de ti el horizonte. El horizonte sirve para caminar, para seguir adelante. En esta obra, no vemos la estructura que está sosteniendo la hamaca. La idea de trabajar con la alfombra es liberar a la obra de las restricciones del bastidor. El ansia de libertad es un tema que atraviesa toda mi obra. Las alfombras hacen de la obra una pintura expandida, donde la composición continúa más allá del margen del cuadro, donde muchas veces el punto focal de los personajes en la composición queda fuera del cuadro. La mayoría de los personajes no están interactuando con el espectador. Están totalmente indiferentes a lo que está a su alrededor. Esto tiene que ver con esa idea de la concentración. El personaje está mirando hacia el horizonte como en una especie de retorno, como el que puede verse a sí mismo.
Tampoco es seguro encontrarte si te vas una temporada a la montaña, porque no creo que se pueda encontrar nada afuera que ya uno no tenga adentro. Si uno va a la montaña vacío de experiencias espirituales, intelectuales y de relaciones interpersonales, tratando de encontrar lo sublime, sólo se encontrará vacío.
CT: Tu geografía interna va contigo.
WO: Así es, si uno no lleva ya una geografía interna no va a encontrar absolutamente nada. Las obras de arte son espejos en los cuales no se es capaz de interpretar nada que uno no lleve consigo. Si uno se para frente a la obra de arte y viene sin ningún equipaje, ninguna experiencia o herramienta de interpretación, no va a ser capaz de ver o de interpretar absolutamente nada. Lo único que va a ver es un montón de colores, unas imágenes que va a reconocer porque hay una persona o porque hay una casa, porque hay una silla, pero no va a ver más allá de la silla, de la casa, de la persona.
CT: Es verdad. Cada uno de nosotros venimos con nuestra equipaje, con nuestra historia, experiencias, conocimientos, etc.
WO: Efectivamente. Lo que pasa es que uno tiene que saber seleccionar que ponemos en ese equipaje. Pensar es discriminar, hay que saber curar el conocimiento que incorporamos.. Por ejemplo, hay gente que solamente lee autores con lo que está de acuerdo. Esa es la mejor manera de reforzar el sesgo de confirmación. O sea, si ya estás de acuerdo, si tienes una una visión del mundo determinada y tú buscas autores que tienen esa misma visión del mundo, lo que vas a hacer es engordar tu propia opinión. A mí me interesa leer autores con los que no coincido, investigar sobre temas que desconozco, me interesa experimentar con materiales nuevos. Esa práctica fue la que me llevó del lienzo en un bastidor a pintar sobre alfombra y coser materiales ajenos en la superficie del cuadro.
CT: ¿Con este show querías hacer un comentario sobre cómo vemos el ocio y sobre el tiempo que uno pasa con uno mismo?
WO: Yo pinto cosas que son interesantes para mí y que son centrales en mi vida. No tengo la intención de mandar ningún mensaje. Esta es la forma en que yo he podido canalizar y expresar ciertas ideas. Soy una persona muy visual por eso me fui a la pintura. Si hubiera tenido más ritmo, quizás hubiera sido músico, también me hubiera gustado escribir. Me hubiera gustado poder ser un buen escritor y envidio mucho a la gente que puede escribir bien. Ese deseo frustrado lo canalizo leyendo, me gusta mucho leer. Mi intención con la pintura es contar historias, es hablar de lo que me interesa. Cuando pinté esas obras fue un momento en el que todos estuvimos solos, por la pandemia. Si tenías una buena biblioteca y te gustaba leer, fue una maravilla estar solo. Pero para el que no lee, el que no sabe pasar tiempo consigo mismo fue una tortura. Pude leer mucho, pude pintar mucho. A mí no se me hizo diferente ese tiempo porque, como usted ve, paso mucho tiempo solo aquí, en mi estudio, con mis libros, escuchando música y pintando. Paso a veces ocho o diez horas al día aquí. Disfruto mucho esa soledad y la extraño cuando estoy lejos del estudio mucho tiempo.
Pero yo entiendo que la mayoría de las personas tienen actividades en el día a día que requieren una infraestructura humana que con COVID no estaba presente. Se creó como una especie de hueco, de vacío, un abismo.
CT: Siempre me pareció muy importante ser curioso.
WO: A mi también, es la única forma de iniciar el camino a nuevos saberes. Aristóteles dice en La Metafísica, en el primer capítulo que: “Todos los hombres desean por naturaleza saber.” (2)
CT: ¿Crees que el ocio puede mejorar la vida?
WO: Definitivamente. Para mí pintar es tiempo de ocio; leer o ver una buena película es tiempo de ocio; estar con mi familia, con la gente que quiero, es tiempo de ocio. Ese es el tiempo que edifica. Un tiempo que no es funcional, que muchas veces no construye nada físico en el mundo pero refuerza los vínculos, crea buenas experiencias, y te enriquece intelectualmente. Y a veces del tiempo de ocio sale un cuadro o un libro, que no está mal.
CT: En sus cuadros los personajes no están ni sonriendo ni serios. Están contemplativos. ¿Qué simboliza la sonrisa para ti?
WO: En la historia de la pintura casi no hay cuadros de gente sonriendo. Las obras pictóricas tienden a transmitir mensajes e ideas a través de sus composiciones, de símbolos de referencia que aparecen en la obra. La sonrisa es más usual en la publicidad. La publicidad no está abierta a interpretaciones, no sugiere. La publicidad ordena! cómo comprar, cómo pensar, a qué grupo adherirse. La pintura, por lo menos mi pintura, no busca evangelizar ni dictar.
Pensemos que el 99,9% de los cuadros frente a los cuales nos paramos no tenemos contacto con el autor. No sabemos nada de lo que quería decir el autor, ni qué tipo de persona era.
Nos ponemos frente a una obra y solo tenemos como referencia de la información que aparece junto a la obra diciéndonos título, los materiales usados, las dimensiones y con suerte habrá un ensayo del curador.
CT: El curator hace su lectura de la obra, o del conjunto de obras exhibidas.
WO: Me interesa mucho cómo los artistas hablan de su obra. Una obra se puede leer también. Los libros no hablan, los libros se leen. En los libros, como en una pintura, solo nos quedamos lo que seamos capaces de entender. Más que las lecturas de curadores y críticos me interesa lo que los artistas dicen sobre sus obras.
CO: ¿Cuando vas a una exhibición, lees antes sobre los artistas?
WO: En exhibiciones estoy muy interesado en la técnica, en cómo se hace la obra, en cuál es el proceso. Yo miro la obra con otros ojos. Quizás no disfruto tanto como la disfruta un espectador que no hace esto todos los días.. Como artista tú vas a una exhibición, ves un cuadro y piensas: así lo hizo; mira que interesante este; o cómo logró esto; o el proceso fue así. Eso es lo primero que veo.
Cuando veo una obra de arte, el artista me habla a través del cuadro, de cómo lo hizo. El proceso y los cuadros más interesantes para mí son los que me sorprenden, cuando no puedo descifrar cómo se llegó a estas resoluciones. Cómo resolvió el problema. Pintar también es resolver problemas.
CT: ¿Si pierde también un poco la magia porque está buscando la técnica?
WO: Es un disfrute más intelectual y técnico.
CT:¿Cuál es el potencial que tú ves en el silencio?
WO: El silencio es el espacio donde se hace el sentido. En la comunicación es tan o más importante el sonido que se emite como el silencio entre los sonidos. Es el silencio que estructura. En estos espacios de silencio es donde brotan las ideas; donde uno se encuentra consigo mismo. Estas obras intentan reivindicar el silencio y la vida contemplativa.