I'm just playing with dolls
The several dimensions of artist Nina Surel and the importance of creating her sisterhood.
On a cloudy December morning, while driving to Nina Surel’s studio, I was listening to an NPR story on the dangerous cracks democracy has been suffering. It got me wondering if cracks in the way that we live could also be seen as an opportunity for women to surface differently? It was a wild thought and when shared with Nina, she was quick to immediately associate it to the container she believes we women are and to our ability to give birth “because we have a big crack from which humanity comes through” she said smiling. The juxtaposition of these ideas set the tone for our fantastical conversation.
Nina Surel is tall and lean, smiles broadly, and is in constant movement. As I sit by her I can feel an invisible field of thoughts being released in waves. While we speak she is working, alongside her assistant Pilar, on a ceramic piece: a small table from her series Narratives of Female Metamorphosis commissioned to her by a collector whose wish is to have it hold two martini glasses she will share with her husband. The small table is hinted from under gently draped fabric forms. Feet, molded from the collector, peep out from under the drapes.
Nina’s practice has always explored the feminine, its myths and rituals, through the female body. From performances (Rite of Womb) and video installations (Grávida), her work has now transitioned into tangible ceramic sculptures (Core Series) adding a different dimension to her work.
Her spacious and airy studio is a stand-alone building within a complex called Collective 62, an artist-run space she founded, and houses another dozen or so studios and an exhibition space. A kitchen and dining area adjacent to the main room and a shelved hallway lead to a side entrance. While we speak, both women are caressing the ceramic piece with wet sponges, giving the finishing touches to the draped form. Nina’s thinking is sharp, her words come fast and delightfully unfiltered.
Please scroll down for Spanish version.
CARMEN: The feminine has always been at the core of your practice from your early extraordinary paintings that crowned females literally covering them in history and tradition, to performances and works on video, to your focus now in ceramic sculptures. Could you speak of your trajectory and the evolution of your practice in relation to the female body and its meaning in your work.
NINA: Initially my work included men as a physical presence. I was working with paper dolls and addressing the differences of, for example, men being assigned movement (they were given cars, they traveled), while women were expected to stand still (have a baby, feed it, change its diapers). In order to work women need to have someone else taking care of the children. Men can eventually adopt more participating roles in raising children, but women are assigned them. It is our responsibility.
Over the years, I moved from paper dolls to portraits, duplicating my image: I was the woman and the man in the same portrait. I was holding the baby, breastfeeding it with one hand, and being alert with the other. Your body needs to be relaxed and connected with nature in order to release the milk allowing it to flow when you’re breastfeeding. Now, if someone asks you to deliver something or send an email, the flow might not happen.
Women run from one place to another carrying a baby and fulfilling many roles. That’s when I started to duplicate, and even triplicate, the figures in my portraits which eventually became my sisterhood. I asked my support group to join me in those first paintings and then performances. I was asking for their help, seeing how we could multiply our hands.
It’s no coincidence that I moved to ceramics now. The ceramic work deals with the container and with the multiplicity of hands involved in its production. As you mentioned before about the making of history through walls, murals and bas reliefs. What are they showing us? Daily life. And who was able to do that? Mostly men, who were the ones conceiving them while women were responsible for the daily labor of building it. Moving to ceramics gave me, for the first time, the structure to tell the stories I wanted to tell. With the murals, more than size or materiality, I'm interested in new perspectives, on women understanding each other beyond race or cultural beliefs. These murals change as I am making them. They can grow, like the paper dolls did because it's the same process. This one started at 8’ now it's 12’ and it could turn into 25’ or it could become a 360º mural mounted around the studio walls.
When I started with these ceramic collages I was inspired by the idea of staying with the world we created, staying with all the troubles we are dealing with in a positive way because if we can see ourselves in them, if we can see ourselves as the creators of whatever is happening, then we can deal with anything. I feel that as long as we have more women in politics and culture, there will be more caring rather than ruling.
CT: What was initially covered and dressed with references in your practice is now fragmented, undressed, and unapologetically nude, especially in your recent work, the Core Series, where you molded the pelvis of a group of women and then presented them in a totem form. The symbolism around the pelvis is abundant, from identity and eroticism to fertility and motherhood. Could you speak about your process of creating the pelvis and transforming them into a totem? Were secrets unveiled? Mysteries revealed? Would you say the pelvis became containers?
NS: The idea for the Core Series started before the pandemic with a movement and a conscious connection with my own body. The nudity, the undressing comes from that time. I invited 33 women to participate in a rite of passage—similar to the Right of the Womb (1) a ritual I've always been interested in as a fertile woman. When I realized I was dealing with menopause, I wanted to honor my core that had given me the possibility of having 3 healthy kids and creating a family. I needed to have closure and wanted to extend the experience to other middle-aged women. I asked them to wear white dresses. Soon after the pandemic came and those dresses disappeared. During the performance they had been left behind.
When we were allowed to reconnect again, those lost dresses translated into the actual presence of each one of them, and showed up in my work as the mold of their individual pelvis. That was when I was able to connect with them individually. Once you felt the shape of the pelvis with the clay you could be seen from the inside because our core is a container, a vessel that can hold so much information. The references each brought to their core were different: some were more connected to sexuality, some to sadness, others to joy; each connected to their own powerhouse that the undressing and molding had unveiled. The process of reconnecting with each woman, then piling their pelvis in a totem-like form was a way of keeping them together. After the pandemic, the totems became a celebration of being able to see each other again.
Those containers, the sculpted pelvis, have now become multifaceted: sometimes I pile them like a column, referencing strength. Other times seeding them I will show them as planters, referencing growth.
CT: They also portray multiplicity.
NS Totally. Ceramic gave me the possibility to work with different clays, colors and pigments. When the dress was left behind, the color was also left behind leaving me with clay’s natural color. Through these bas-reliefs, I'm moving into something that is similar to what I did before in terms of compositions and colors.
CT: You’re completing a new cycle now?
NS: Yes, first the work is clean then I start adding elements in a more meaningful way asking myself: “Why use these colors? What is it that I am trying to describe?”
CT: Phenomenology “addresses the meaning things have in our experience, notably, the significance of objects, events, tools, the flow of time, the self, and others, as these things arise and are experienced in our life.”(2) You were born in Argentina and have been living in Miami for many years. You are the mother of 3, your eldest being 18. How would you say your surroundings and your background have influenced and gave meaning to your thinking and practice?
NS: Growing up, my cultural references were European. My grandparents were from Russia, Austria, Italy, and Spain. I have no Argentinian ancestry. Schools there offered limited education in theory and history. My 18-year-old son, for example, is taking gender studies in school. He has created transgender Barbie dolls, tinted them in different colors, added tattoos and some have amputated legs. He created a new identity out of this standard barbie doll, adding whatever he needed. I found it incredible. It’s very interesting for me because I learn from my kids. I think in Argentina this would be impossible.
Now I am more rooted in Miami. I will enjoy returning to Argentina to see what I have missed, what I became, and why I feel I am different now.
CT: That is going to be so interesting because it may be part of a cycle as with the paper dolls which now are three-dimensional dolls. There was that Nina, and now there is this other Nina, that has a different dimension.
NS Yes! The first gallery that represented me in Miami was from the Caribbean, followed by one from Santo Domingo, Costa Rica and Italy. So I had the opportunity to interact with a diverse group of artists and not be pinned down. I am not a Latina, I am not European and I'm not indigenous. I'm just playing with dolls!
The fact that I am always working with collage means I am cutting and pasting. What I always liked was the misplacing it allows: heads that don’t correspond to bodies or body parts; skin colors that can be mixed and matched. Growing up we played with calquitos, (3) a sticker that you paste on top of a figure. For me the fun part was pasting them in all the wrong places.
CT: Which artists do you admire and could call mentors?
NS: I have many, and they change through time. Lee Bontecou and her incredible sculptures is one. MoMA did a retrospective of her work. When I saw it for the first time I thought: “Who is this artist who did all these works? How come she didn't have the urge to show her them?” She did not look for approvals. She just worked for the sake of it.
Lately I would say I admire Judy Chicago. I went to the recent museum survey of her works and I saw her individual and collective pieces. Through letters she connected and worked with people around the world sending different works that then would be unified. We all know The Dinner Party, but not all the embroideries and patchworks they've been doing collectively. She has always considered women as powerhouses, both individually and collectively.
CT: She was creating a sisterhood.
NS: Big time. And when you see it for the first time, in a museum survey, it's so moving. Judy Chicago actually thought she would not be alive to see a retrospective of her work. She was aware of Hilma af Klint and other artists that, like her, were painting for the future.
CT: What advice would you give to a young artist?
I think it was Schnabel who said:. “Do your art. The rest will follow.” Recognition might take one hundred years, as it did for Hilma af Klint, or thirty to Judy Chicago but they never stopped doing their art and not the art that someone else was expecting. You can do many things on the side but continue with your art and the rest will follow if you're consistent with that practice and the discipline it takes.
1. The Rite of the Womb is the 13th Rite of Munay Ki, A sacred transmission from a lineage of Shamans in the Peruvian Andes. Marcela Lobos was the first to receive the rite in 2014 and has passed it on to many women who continue to spread its energy.
2. Smith, D. W. (2013, December 16). Phenomenology. Stanford Encyclopedia of Philosophy. https://plato.stanford.edu/entries/phenomenology/
3. Decal transfers
ESPAÑOL
En una mañana nublada de diciembre, mientras conducía hacia el estudio de Nina Surel, escuchaba una historia de NPR sobre las peligrosas grietas que la democracia ha estado sufriendo. Me preguntaba si las grietas en la forma en que vivimos también podrían ser vistas como una oportunidad para que las mujeres emerjan de manera diferente. Fue un pensamiento salvaje y, al compartirlo con Nina, ella lo asoció de inmediato al recipiente que cree que somos las mujeres y a nuestra capacidad de dar a luz: "porque tenemos una gran grieta por la cual la humanidad viene al mundo", dijo sonriendo. La yuxtaposición de estas ideas establece el tono para nuestra fantástica conversación.
Nina Surel es alta y delgada, sonríe ampliamente y está en constante movimiento. Mientras estoy a su lado, puedo sentir un campo invisible de pensamientos liberándose en ondas. Mientras hablamos, ella trabaja, junto a su asistente Pilar, en una pieza de cerámica: una pequeña mesa de su serie Narrativas de Metamorfosis Femenina encargada por un coleccionista que desea que sostenga dos copas de martini que compartirá con su esposo. La pequeña mesa se insinúa debajo de formas de tela suavemente drapeadas. Los pies, moldeados a partir del coleccionista, asoman por debajo de las cortinas.
La práctica de Nina siempre ha explorado lo femenino, sus mitos y rituales, a través del cuerpo femenino. Desde actuaciones (Rito del Útero) e instalaciones de video (Grávida), su trabajo ha pasado ahora a esculturas de cerámica tangibles (Serie Core) agregando una dimensión diferente a su obra.
Su estudio espacioso y aireado es un edificio independiente dentro de un complejo llamado Collective 62, un espacio dirigido por artistas que ella fundó, y alberga una docena más o menos de estudios y un espacio de exposición. Una cocina y un área de comedor adyacente a la sala principal y un pasillo con estanterías conducen a una entrada lateral. Mientras hablamos, ambas mujeres acarician la pieza de cerámica con esponjas húmedas, dándole los toques finales a la forma drapeada. El pensamiento de Nina es agudo, sus palabras salen rápida y encantadoramente sin filtro.
CARMEN: Lo femenino siempre ha estado en el centro de tu práctica, desde sus extraordinarias pinturas iniciales que coronaban a las mujeres cubriéndose literalmente de historia y tradición, hasta actuaciones y obras en video, hasta tu enfoque actual en esculturas de cerámica. ¿Podrías hablar de tu trayectoria y la evolución de tu práctica en relación con el cuerpo femenino y su significado en tu trabajo?
NINA: Inicialmente, mi trabajo incluía a los hombres como presencia física. Trabajaba con muñecas de papel y abordaba las diferencias, por ejemplo, de que a los hombres se les asignaba movimiento (les daban coches, viajaban), mientras que se esperaba que las mujeres se quedaran quietas (tener un bebé, alimentarlo, cambiarle los pañales). Para que las mujeres puedan trabajar, necesitan que alguien más cuide a los niños. Los hombres eventualmente pueden adoptar roles más participativos en la crianza de los hijos, pero a las mujeres se les asignan. Es nuestra responsabilidad.
Con el tiempo, pasé de muñecas de papel a retratos, duplicando mi imagen: yo era la mujer y el hombre en el mismo retrato. Sostenía al bebé, lo amamantaba con una mano y estaba alerta con la otra. Tu cuerpo necesita estar relajado y conectado con la naturaleza para liberar la leche permitiendo que fluya cuando estás amamantando. Ahora, si alguien te pide que entregues algo o envíes un correo electrónico, el flujo puede no ocurrir.
Las mujeres corren de un lado a otro llevando un bebé y cumpliendo muchos roles. Fue entonces cuando comencé a duplicar, e incluso triplicar, las figuras en mis retratos que eventualmente se convirtieron en mi hermandad. Les pedí a mi grupo de apoyo que se unieran a mí en esos primeros cuadros y luego en actuaciones. Pedía su ayuda, viendo cómo podríamos multiplicar nuestras manos.
No es casualidad que ahora me haya pasado a la cerámica. El trabajo de cerámica trata con el contenedor y con la multiplicidad de manos involucradas en su producción. Como mencionaste antes sobre la creación de la historia a través de paredes, murales y bajorrelieves. ¿Qué nos muestran? La vida cotidiana. ¿Y quiénes fueron capaces de hacerlo? Mayormente hombres, quienes los concebían mientras las mujeres eran responsables del trabajo diario de construirlo. Pasar a la cerámica me dio, por primera vez, la estructura para contar las historias que quería contar. Con los murales, más que el tamaño o la materialidad, me interesa en nuevas perspectivas, en que las mujeres se entiendan más allá de la raza o las creencias culturales. Estos murales cambian a medida que los estoy haciendo. Pueden crecer, como lo hicieron las muñecas de papel porque es el mismo proceso. Este comenzó con 8 pies, ahora son 12 pies y podría convertirse en 25 pies o podría convertirse en un mural de 360º montado alrededor de las paredes del estudio.
Cuando comencé con estos collages de cerámica, me inspiré en la idea de quedarme con el mundo que creamos, quedarme con todos los problemas con los que estamos lidiando de manera positiva porque si podemos vernos en ellos, si podemos vernos como los creadores de lo que está sucediendo, entonces podemos lidiar con cualquier cosa. Siento que mientras tengamos más mujeres en la política y la cultura, habrá más cuidado en lugar de dominio.
CT: Lo que inicialmente estaba cubierto y vestido con referencias en tu práctica ahora está fragmentado, desvestido y sin disculpas desnudo, especialmente en tu trabajo reciente, la Serie Core, donde moldeaste la pelvis de un grupo de mujeres y luego las presentaste en forma de tótem. El simbolismo alrededor de la pelvis es abundante, desde la identidad y el erotismo hasta la fertilidad y la maternidad. ¿Podrías hablar sobre tu proceso de creación de la pelvis y cómo las transformaste en un tótem? ¿Se desvelaron secretos? ¿Se revelaron misterios? ¿Dirías que la pelvis se convirtió en contenedores?
NS: La idea de la Serie Core comenzó antes de la pandemia con un movimiento y una conexión consciente con mi propio cuerpo. La desnudez, el desvestirse proviene de ese tiempo. Invité a 33 mujeres a participar en un rito de paso, similar al Rito del Útero (1), un ritual en el que siempre he estado interesada como mujer fértil. Cuando me di cuenta de que estaba experimentando la menopausia, quería honrar mi núcleo que me había dado la posibilidad de tener 3 hijos sanos y crear una familia. Necesitaba cerrar y quería extender la experiencia a otras mujeres de mediana edad. Les pedí que usaran vestidos blancos. Poco después vino la pandemia y esos vestidos desaparecieron. Durante la actuación, los habían dejado atrás.
Cuando nos permitieron reconectar, esos vestidos perdidos se tradujeron en la presencia real de cada una de ellas y aparecieron en mi trabajo como el molde de su pelvis individual. Fue entonces cuando pude conectarme con ellas individualmente. Una vez que sentías la forma de la pelvis con la arcilla, podrías ser vista desde el interior porque nuestro núcleo es un contenedor, un recipiente que puede contener mucha información. Las referencias que cada una aportó a su núcleo eran diferentes: algunas estaban más conectadas a la sexualidad, otras a la tristeza, otras a la alegría; cada una conectada a su propia fuente de poder que el desvestirse y moldear había revelado. El proceso de volver a conectar con cada mujer, luego apilar sus pelvis en una forma parecida a un tótem, era una forma de mantenerlas juntas. Después de la pandemia, los tótems se convirtieron en una celebración de poder volver a vernos.
Esos contenedores, las pelvis esculpidas, ahora se han vuelto multifacéticos: a veces los apilo como una columna, haciendo referencia a la fuerza. Otras veces, al sembrarlos, los mostraré como macetas, haciendo referencia al crecimiento.
CT: También retratan la multiplicidad.
NS: Totalmente. La cerámica me dio la posibilidad de trabajar con diferentes arcillas, colores y pigmentos. Cuando el vestido se quedó atrás, el color también se quedó atrás, dejándome con el color natural de la arcilla. A través de estos bajorrelieves, estoy avanzando hacia algo similar a lo que hice antes en términos de composiciones y colores.
CT: ¿Estás completando un nuevo ciclo ahora?
NS: Sí, primero el trabajo está limpio y luego comienzo a agregar elementos de una manera más significativa, preguntándome: "¿Por qué usar estos colores? ¿Qué es lo que estoy tratando de describir?"
CT: La fenomenología "aborda el significado que las cosas tienen en nuestra experiencia, notablemente, la importancia de objetos, eventos, herramientas, el flujo del tiempo, el yo y los demás, a medida que estas cosas surgen y se experimentan en nuestra vida" (2). Naciste en Argentina y has estado viviendo en Miami durante muchos años. Eres madre de 3 hijos, siendo el mayor de 18 años. ¿Cómo dirías que tu entorno y tus antecedentes han influido y dado sentido a tu pensamiento y práctica?
NS: Al crecer, mis referencias culturales eran europeas. Mis abuelos eran de Rusia, Austria, Italia y España. No tengo ascendencia argentina. Las escuelas allí ofrecían una educación limitada en teoría e historia. Mi hijo de 18 años, por ejemplo, está estudiando estudios de género en la escuela. Ha creado muñecas Barbie transexuales, las ha teñido de diferentes colores, les ha agregado tatuajes y algunas tienen piernas amputadas. Creó una nueva identidad a partir de esta muñeca Barbie estándar, agregando lo que necesitaba. Me pareció increíble. Es muy interesante para mí porque aprendo de mis hijos. Creo que en Argentina esto sería imposible.
Ahora estoy más arraigada en Miami. Disfrutaré regresar a Argentina para ver lo que me he perdido, lo que me convertí y por qué siento que soy diferente ahora.
CT: Eso va a ser interesante porque puede ser parte de un ciclo, como con las muñecas de papel que ahora son muñecas tridimensionales. Hubo esa Nina, y ahora está esta otra Nina, que tiene una dimensión diferente.
NS: ¡Sí! La primera galería que me representó en Miami era del Caribe, seguida de una de Santo Domingo, Costa Rica e Italia. Así que tuve la oportunidad de interactuar con un grupo diverso de artistas y no ser etiquetada. No soy latina, no soy europea y no soy indígena. ¡Simplemente estoy jugando con muñecas! El hecho de que siempre esté trabajando con el collage significa que estoy cortando y pegando. Lo que siempre me gustó fue la pérdida de lugar que permite: cabezas que no corresponden a cuerpos o partes del cuerpo; colores de piel que se pueden mezclar y combinar. Cuando era niña, jugábamos con calquitos, una pegatina que se pega encima de una figura. Para mí, la parte divertida era pegarlos en todos los lugares equivocados.
CT: ¿Qué artistas admiras y podrías llamar mentores?
NS: Tengo muchos, y cambian con el tiempo. Lee Bontecou y sus esculturas increíbles son una de ellas. El MoMA hizo una retrospectiva de su trabajo. Cuando lo vi por primera vez, pensé: "¿Quién es esta artista que hizo todas estas obras? ¿Cómo no tuvo el deseo de mostrarlas?" Ella no buscaba aprobaciones. Simplemente trabajaba por el bien de hacerlo. Últimamente diría que admiro a Judy Chicago. Fui a la reciente encuesta de museo de sus obras y vi sus piezas individuales y colectivas. A través de cartas, se conectaba y trabajaba con personas de todo el mundo enviando diferentes obras que luego se unificarán. Todos conocemos La Cena, pero no todas las bordadoras y trabajos en patchwork que han estado haciendo colectivamente. Siempre ha considerado a las mujeres como centrales, tanto individualmente como colectivamente.
CT: Ella estaba creando una hermandad.
NS: ¡Sí! Y cuando lo ves por primera vez, en una encuesta de museo, es conmovedor. Judy Chicago pensó que no estaría viva para ver una retrospectiva de su trabajo. Era consciente de Hilma af Klint y otros artistas que, como ella, pintaban para el futuro.
CT: ¿Qué consejo darías a un joven artista?
NS: Creo que fue Schnabel quien dijo: "Haz tu arte. Lo demás seguirá". El reconocimiento puede llevar cien años, como lo hizo para Hilma af Klint, o treinta para Judy Chicago, pero nunca dejaron de hacer su arte y no el arte que alguien más esperaba. Puedes hacer muchas cosas al margen, pero continúa con tu arte y lo demás seguirá si eres consistente con esa práctica y la disciplina que conlleva.
So impressive!